Современный натюрморт. Ч.4 Место натюрморта в современном искусстве. Фотографии натюрмортов. Работы Paulette Tavormina Фотография в стиле натюрморт современное

В 1970-х годах в западной культуре, бросая вызов теперь уже абстрактному искусству, возникает новое течение живописи – фотореализм (или гиперреализм, суперреализм). Огромные холсты масляной живописи, которые только размер отличает от фотографии. В искусстве никогда не было ничего подобного – за основу художники брали не жизнь, а фотографию, притом фотографию бытовую, любительскую. На картинах фотореалистов – банальная повседневность, обезличенная, двумерная, холодная, имперсональная, безэмоциональная реальность, пропущенная через фотографию. Сверхреальность соединяется с отстраненностью при копировании таких фотографий. Идеология фотореализма – признание того, что реклама, телевидение и, главным образом, фотография в разных своих проявлениях настоль-ко доминируют в визуальном восприятии современного человека, что вытесняют реальность как таковую. Фотография – объект столь же реальный и важный, как и реальность – фотография зачастую даже убедительнее самой реальности. Рассуждая о принципах современного визуального восприятия и роли художника в обществе, фотореализм стал первым концептуальным искусством.
Фотореализм доказал, что фотография – наиболее адекватный современному сознанию и восприятию визуальный язык, основа всей современной визуальной культуры.

Ральф Гоингс. «Синий салфеткодержатель». 1980 г.

Ральф Гоингс.

Современная фотография (contemporary photography – актуальная фото-графия) сформировалась в 1990-х годах, когда художники начали работать с фотографией как с медиа. Современная фотография не существует вне кон-текста и непонятна неподготовленному зрителю. Фотография перестала быть эстетическим объектом. Всю современную фотографию можно разделить на два направления:
1. Концептуальная фотография (исследует сама себя);
2. Междисциплинарная фотография (смежными дисциплинами могут быть: наука, культура, социология; например, социальные исследования или культурный диалог с классической фотографией).

Параллельно с современной фотографией существует Fine art (прекрасное искусство, искусство о прекрасном), единственной задачей которого является передача красоты окружающего мира. К современной фотографии Fine art не относится.

Концептуальная фотография – это фотография о фотографии, искусство, которое анализирует искусство. Она занята исследованием самой себя: своего собственного языка, своей функции, своей роли, своей природы.
Главная задача художника – заставить зрителя задуматься, при этом концептуальная фотография скорее задает вопросы, чем дает ответы. Пока создается фотография, происходит исследование, рассуждение, они важнее конечного результата – самой фотографии. Фотография – это просто медиа, визуальная форма выражения мысли, исследования художника.
Серия в современной фотографии имеет новый смысл – это не фотоистория, как в модернизме, а типология, как у Карла Блоссфельдта. За исключением некоторых авторов, художники работают сериями (высказывание рождается только в серии), где каждая отдельно взятая фотография не является неким рассказом.

Первоначально концептуальная фотография была эстетически неприглядной, документальной и изобразительно неинтересной. Таким образом художники определяли новый язык фотографии, новое назначение. Убрав из изображения все привычные триггеры классической фотографии («решающий момент», композицию, эмоции, жесты, узнаваемую сцену, выделение главного), художники стремились заставить зрителя посмотреть на саму фотографию, задуматься о ее природе. Концептуальная фотография безоценочна, суха и дистанцированна.

Позднее появилась так называемая «постконцептуальная фотография», которая стала более привычной с эстетической точки зрения и дорогой в производстве, что соответственно влияло на цену конечного произведения искусства. Как правило, такие работы, вслед за фотореализмом, огромного размера, сняты на камеры большого формата и отпечатаны таким образом, что видны все мельчайшие детали. Благодаря такому способу подачи изображения, фотография приближается к реальности настолько, насколько это возможно, позволяя зрителю разделить ту реальность, что изображена на фотографии. Гипердетализированность дает гипертрофированную гиперреальность. В то же время многие художники для передачи своих идей используют эстетику любительских снимков.

Художники используют современный язык в фотографии, за исключением тех случаев, когда вступают в культурный диалог с историей искусств или историей фотографии.

Концептуальный подход к фотографии, возможно, сначала ослабил интерес к жанру натюрморта. Тем не менее, благодаря некоторым художникам, фотографический натюрморт получил новый этап развития. Так, Джан Грувер (1943-2012) превращала кухонные принадлежности в искусные композиции. Грувер часто отдает предпочтение форме над содержанием, при этом почти вычеркивает тему из своего творчества. Ее композиции часто состоят только из краев предметов, сокращенных до неузнаваемости. Фактура столь же важна, как и форма. Фотографии этой серии Грувер в меньшей степени являются снимками кухонных принадлежностей, а в большей – сложными, иногда абстрактными изображениями пространственных аранжировок, включающих форму, цвет и текстуры.

Джан Грувер. Без названия. 1978 г.

Творчество швейцарских художников Петера Фишли (р.1952) и Давида Вайса (1946-2012) утверждает фотографию как средство, с помощью которого художник способен представить обыденность, но в их случае – перекошенную, условную, сомнительную. Для своей серии «Равновесие/Тихий полдень» они взяли бытовые предметы и уравновесили их в неустойчивых конструкциях таким образом, что странные скульптуры балансируют на грани разрушения. Их не подверженные действию силы тяжести скульптуры обладают пикантной хрупкостью и недолговечностью, а вечными их сделала фотокамера.

Петер Фишли и Давид Вайс. «Тихий полдень». 1984-1985 гг.

Нобуёси Араки (р. 1940), которого называют гением и величайшим из ныне живущих японских фотографов, питает особый интерес к теме женственности, женской фигуры и сексу. С помощью сердцевины зрелого, слегка сморщенного фрукта Араки повторил формы женского органа. Создавая в 1993 году серию «Эротос», Араки придумал название, соединив в нем две темы, играющие ключевую роль в его искусстве: темы Эроса и Танатоса (согласно теории З.Фрейда, «Эрос» – любовь, созидание, секс, жизнь, «Танатос» – стремление к жестокости, агрессии, садизму и смерти). На фотографиях Араки эти силы сталкиваются: источником мужского вожделения становится фрукт, который уже начал покрываться плесенью и разрушаться. Арт-критик Джерри Бэджер говорил: «Порнография на самом деле в глазах зрителя».

Нобуёси Араки. «Эротос». 1993 г.

Фотография Маргриет Смулдерс «Любовь побеждает все» порождает противоречивые чувства. В ней заметно влияние картин XVII столетия и слышны отголоски темы домашнего уюта. Красота здесь неразрывно связана с увяданием. Кажется, что цветы на фотографиях, которые Смулдерс часто делает при помощи зеркал, вот-вот осыплются. Сама она называет цветы «актерами», изображающими «целый мир, со всеми отношениями и драматическими ситуациями». В этой фотографии ощутима некая смутная угроза: композицию тут и там перерезают изогнутые ветви, а водянистая синяя пустота в центре грозит затопить всю картину и разрушить хрупкие цветы. Смулдерс работает в классическом жанре натюрморта, но гипертрофированные, нереальные цвета создают резкий эффект, обычно не свойственный фотографии с цветами. Как и многие современные фотографы, Смулдерс разглядела в природе смерть и неизбежность распада. Цветы на ее снимке кажутся отдельными частями тела, вроде зубов и языков, которые обречены на разложение. «Пышные и необычно эротичные картины вводят вас в другое измерение. Огромные зеркала, вычурные стеклянные вазы, плотные драпировки, фрукты и обрезанные букеты – вот из чего состоят эти «полотна» – говорит сама Маргриет Смулдерс о своих работах.

Маргриет Смулдерс. «Любовь побеждает все». 125х1100 см. Фрагмент. 2005г

Эта работа в хорошем разрешении на сайте автора http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid=10&gallery=7 там ее можно пролистать в удобном темпе и залипнуть на любую часть
Восхитительный сайт Смулдерс с другими работами http://www.margrietsmulders.nl

Американский фотограф Джеймс Уэллинг (р. 1951) называет свою практику «возрождением модернизма, но в историческом контексте». Серия «Цветок» представляет собой глубокий анализ прошлого фотографии, ее статуса по мере ее эволюции. Уэллинг помещает черенки растений на черно-белую пленку и экспонирует, их белые тени отражаются на черном фоне негатива. Затем с помощью цветных фильтров разных форм экспонирует еще раз. В итоге получаются яркие фотограммы цветов – их темные очертания на белом фоне с мириадами мягких сияющих оттенков. Джон Гершель – автор термина «фотография» (пишу светом), тогда как Уильям Генри Фокс Тальбот предложил другой термин – «сциография» (искусство теней). Серия «Цветок» – плод обоих определений: на первом этапе (создание негатива) используется тень растения, на втором (создание цветного позитива) – тень заполняется ярким светом, рождая фотографию. Уэллинг напоминает, что тень играет столь же важную роль при создании фотографии, как и свет. «Не то чтобы меня не интересовало содержание, но содержание не единственное, что придает смысл фотографии», – говорит Уэллинг.

Джеймс Уэллинг. Из серии «Цветок». Авторская техника фотограммы. 2006 г.
Фотограммы цветов на сайте Уэллинга, там же можно найти другие проекты http://jameswelling.net/projects/17

Монументальные абстракции Кристиана Марклея (р. 1955) – «Напоминание (Выживает сильнейший)». Название служит ключом – это напоминание о вымирающих медиасредствах. При детальном рассмотрении становятся заметны сломанные кассеты, становится ясно, что вдоль всего изображения протянута размотанная магнитная лента. Для своей аллюзии на теорию Дарвина и «вымирание» кассет Марклей искусно воссоздал почти исчезнувшую технологию цианотипии XIX века и имитировал «вымерший» стиль абстрактного импрессионизма и Джексона Поллока.

Кристиан Марклей. «Выживает сильнейший». Цианотипы. 2008 г.

«От реального, «бывшего там» тела исходят излучения, дотрагивающиеся до меня, находящегося в другой точке; с моим взглядом тело сфотографированной вещи связывает подобие пуповины», – писал Ролан Барт, и его слова перекликались с высказыванием Сьюзен Зонтаг о том, что «фотография позволяет изображенному на ней предмету дотронуться до нас подобно запоздалым звездным лучам». След, указатель, любая ниточка, соединяющая фотографию с реальностью, интересно вплетаются в работы британского фотографа Ричарда Лиройда (Richard Learoyd) (р.1966). В своей мастерской он разработал совершенно новую технику фотографии. Используя помещение как фотолабораторию, он создает огромные полотна на позитивной фотобумаге. Свет, отталкивающийся от предмета, тот же, что и светит вам в глаза. Как бы сказал Барт, предмет и зритель соединены пуповиной из фотонов. Зеркальные отражения Лиройда кажутся невероятно близкими; такие фотографии первые теоретики фотографии называли «безумием материи» или, как говорил Андре Базен, «галлюцинацией, которая одновременно является правдой».
На фотографии «Бетонные блоки с зайцем» безжизненное тело зайца «придерживает» бетонные блоки в полуподвешенном состоянии, являя собой застывшую пародию на жизнь. Репродукции Лиройда, как и многих других современных художников, редко находят отклик в глазах зрителей. Его инновационная техника фотографии позволяет создавать монументальные изображения с невероятно резкими деталями, даже если рассматривать работу вплотную. Зрителей притягивают огромные полотна с гиперреалистическими образами. На представленной здесь фотографии такая сила присутствия, такая правдоподобность создают резкий контраст с безжизненным туловищем мертвого животного. Использование Лиройдом позитивной фотобумаги вызывает в памяти одну из первых форм фотографии (ставшую популярной для съемки мертвых): дагерротипию. Свет идет прямо от предмета и оседает на поверхности дагерротипа, где так же, как и в технике Лиройда, отсутствует промежуточный негатив.

Ричард Лиройд. «Бетонные блоки с зайцем». 2007 г.

Видео о Лиройде и его камере http://www.sfmoma.org/explore/multimedia/videos/694

Большинство работ немецкого мастера Томаса Деманда (р. 1964) скопированы с фотографий, в том числе и из новостей, обретая тройной смысл: по сути это фотографии бумажных скульптур фотографии первоначального образа. Реализация этого ведет взгляд зрителя вниз вдоль галереи зеркал, где разница между реальностью и вымыслом становится очевидной. Деманд начинает работу с выбора фотографии, затем создает трехмерную копию в натуральную величину из бумаги и картона, которые уничтожает после проведенной съемки. Исходные фотографии часто изображают известные события: так своей работой «Избирательный пункт» он воспроизводит фотографии Центра неотложных операций Палм-Бич, где проводились президентские выборы 2000-х годов. Снимок ставит вопрос о процессе «созерцания бумаги с отверстиями более 6 недель, тогда когда двести или триста листов бумаги существенно бы повлияли на судьбу этого мира». На первый взгляд изображение на снимке напоминает большой офис. Однако при более близком рассмотрении заметно, что все телефоны одинаковые, поверхности плоские и это офис, сделанный из бумаги. Бумага одновременно является рельефным средством изображения и объектом изображения (бюллетени). Тонко сымитировав реальность, Деманд выносит вопрос о достоверности фотографии. Можно ли доверять фотографии? Реально ли то, что на ней изображено?

Томас Деманд. «Избирательный пункт». 2001 г.
Работы Деманда на его сайте (не забываем, что все это просто бумага) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Люди часто воспринимают фотографию как носитель информации, правдиво запечатлевший частицу мира. Работы Ори Гершта (Ori Gersht) (р.1967) усложняют такое мнение, заставляя зрителя искать несовпадения между фотографией и человеческим видением. Изображение «Взрыв» из серии «Раз за разом» демонстрирует гипереалистичный образ, расщепляющий время на крошечные частицы, что не под силу человеческому глазу. Он так же выносит на поверхность напряжение, царящее между красотой и жестокостью. Гершт признается: «Меня интересуют противоположности – красота и отторжение, то, как момент разрушения во время взрыва букета становится для меня моментом созидания». Сначала Гершт заморозил цветы жидким азотом, затем разместил между лепестками крошечные взрывные снаряды и запечатлел моменты взрыва с помощью высокоскоростных цифровых камер и специально сконструированного электронного приспособления, запускавшего их. Букет цветов был увековечен в момент взрыва.

Ори Гершт. «Букет цветов». 2000 г.

Другой проект на сайте CRG Gallery http://crggallery.com/artists/ori-gersht/

Шенон Кор (Sharon Core) (р.1965) изначально училась на художника, а позднее прошла переквалификацию на фотографа. Следовательно, она проводит четкую грань между этими двумя средствами выражения. Вступая в диалог с фотореалистами, писавшими картины по фотографиям, Кор создает фотографии по картинам. Снимок «Яблоки» вошел в серию «Колониальный стиль». При взгляде на этот снимок кажется, что это просто фотография картины эпохи старых мастеров. «Я инсценирую «реальность» картины XIX века в плане освещения, идеи и масштаба… чтобы в результате получить иллюзорное изображение другой эпохи». Ее вдохновителем стал Рафаэлле Пеале, автор более ста натюрмортов, созданных в период 1812-1824 гг. При воссоздании композиции с картины Пеале в своей мастерской Кор предпринимала попытки превратить трехмерные предметы в рельефные двухмерные поверхности с картины художника. Ее техника проводит жирную черту между фотографией и картиной, заставляя зрителей задаваться вопросом относительно жанра произведения и роли подлинности.

Шэрон Кор. «Яблоки». 2009 г.

Работа Лора Летински (р.1962) «Без названия № 23» по своему стилю напоминает старинный натюрморт, где четко прослеживаются голландские и фламандские традиции. Она признается, что на нее оказала влияние причудливая смесь Северного и Южного Возрождения, и ее творения отражают это «двусмысленное, приводящее в замешательство и тяжелое» чувство пространства. Композиции Летински представлены в натуральном освещении. Для нее свет – это тоже действующее лицо, «не поддающееся контролю… Свет способен удивлять». При создании большинства работ она использует утренний свет, но для серии «Собака и волк» выбрала бархатистое сумеречное сияние и очень длинную выдержку. Название серии служит аллюзией к французскому изречению о сумерках, колдовском времени, когда собаки превращаются в волков.
Ее крупномасштабные фотографии создают атмосферу осязаемости и близости, будто достаточно всего лишь протянуть руку, чтобы дотянуться до
предмета. «Меня поразило, что «Тайная вечеря» – это сцена трапезы, в которой еда на столе выступает как дополнительный персонаж, играет роль второго плана. И я подумала, что было бы, если убрать основных действующих лиц, а все остальное оставить как есть». Основной ее акцент – на идее о том, что фотография показывает то, что уже не существует.
Выброшенная кожура наполовину съеденного апельсина и разбросанные скорлупки от фисташек – вся сцена напоминает неубранный после обеда стол. «Я фотографирую остатки еды и отбросы, чтобы проанализировать взаимосвязь между зрелостью и разрушением, утонченностью и неуклюжестью, контролем и случайностью». Перспектива изображения весьма необычна: стол выглядит геометрически непропорциональным, а фисташки на полу практически сливаются со скорлупками на столе. Призрачная композиция Летински создает тягостную атмосферу ненадежности и отсутствия человеческого присутствия в прошлом. «Мне интересно, что произошло «после», что осталось… и что ушло безвозвратно».

Лора Летински. «Без названия № 23». 2009 г.

У каждого автора свой подход к натюрморту, каждый решает свои задачи, используя уникальные методы получения изображения и формы презентации. Но в любом случае в современном натюрморте, как и во всей современной фотографии, на передний план выходит идея. В зависимости от высказывания выбирается и метод съемки (постановочный или документальный), и метод презентации конечного изображения (пластификация, лайтбоксы, авторские фотокниги, изображения, полученные с помощью альтернативных методов печати или по первым фототехнологиям и т.д.).

Натюрморт как жанр искусства появился еще в далеком 15-м веке и тогда имел очень четкий религиозный подтекст. Многие изображения святых обрамлялись цветочными композициями. Уже в 17-м веке натюрморт окончательно сформировался как жанр, тогда же возникли основные правила композиции и классические приемы.

С появление фотографии натюрморт не потерял своей популярности, даже не смотря на то, что большинство сегодняшних фотографов привлекает возможность съемки в действии. Мастера стремятся снимать что-то сиюминутное и неожиданное, статичные образы менее привлекательны и интересны для многих.

Кто-то ошибочно может подумать, что фотографирование натюрмортов не сложный вид съемки, ведь может показаться, что фотографировать что-то, что не двигается и не изменяется на протяжении долгого времени не так уж и сложно. На самом же деле, фотографии натюрмортов получаются в результате долгой монотонной работы. Фотограф, снимающий натюрморт должен все время работать со светом и предметами. Он периодически меняет местами объекты съемки, фоны и ракурс.

В качестве великолепных примеров фотографий натюрмортов мы покажем вам снимки Полетт Тавормины (Paulette Tavormina) – известного фотографа из Нью-Йорка. Живя в большом городе, Полетт нашла свой собственный способ, как сбежать от суеты и серости. Она часами пропадает в собственной студии, снимая натюрморты, состоящие из овощей фруктов и цветов. Фотографии Paulette Tavormina напоминают классические изображения классической живописи. Они высокохудожественные и завораживающие.

Paulette Tavormina также создает удивительные композиции из цветов, растений и небольших насекомых на плоскости. Изображения больше похожи на иллюстрации из книг по ботанике или на удивительные растительные паттерны.

Фотографии Paulette Tavormina находятся в музеях, корпоративных и частных коллекциях, были представлены в Париже, Лондоне, Москве, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Чикаго. Полетт фотограф самоучка, свою уникальную технику съемки натюрмортов она разработала сама, обучаясь на картинах голландских мастеров.

Растительные паттерны

Рассмотрим применение и сочетание разных типов композиций в зависимости от выбранного образа и замысла на примерах.

Натюрморт называется «История о забытом в путешествии фонаре».
При создании этого натюрморта из предметов использовался только горящий фонарь, который был принесен на берег заснеженного водохранилища. Затем в Photoshop была добавлена текстура обложки старой книги, сделан акцент на пламени.
Идея имела очень важное значение при выборе композиции натюрморта. Предметов должно было быть минимум, чтобы ничего не отвлекало от главного объекта, а точка зрения выбрана так, чтобы читался пейзаж на заднем плане с уходящей перспективой берега. Наложение текстуры делает снимок более драматичным. Композиция диагональная, линейная для подчеркивания формы предметов и линии берега. Основной акцент композиции - огонь, находится на пересечении линий золотого сечения. Основная масса композиции смещена к левому краю, вследствие это глаз от огня продолжает следовать по линии берега к верхнему правому углу, ища там противоположное по диагонали уравновешивающее пятно. Таким пятном мог бы стать корабль на горизонте, который отсутствует для усиления чувства одиночества в работе.

Натюрморт называется «Симфония в красных и золотых тонах». Название и стиль выполнения работы навеяны творчеством Уистлера, художника, занимавшегося вопросами цветовых гармоний как ключевых элементов художественного замысла. Он часто называл свои работы «симфониями». Композиция построена в овале, чтобы подчеркнуть мягкие, округлые формы предметов, форма овала имеет продолжение в окошке часов. Контуры предметов смягчены, подразмыты, создан эффект дымки, свечения, практически сна. Сами предметы подобраны как символы познания: разломленный гранат - структура познания, книги и свиток - его результаты, а часы (символ времени) - необходимое условие. Работа построена на единстве тоновых и цветовых отношений (по темным тонам).

«Story by old seaman» или «История старого моряка». История этого натюрморта довольно простая: предметы подобраны по ассоциации с южными странами, обработка в стиле старой фотографии, частично раскрашенной. Но сам натюрморт поставлен таким образом, чтобы его предметы в своей массе смотрелись как портрет (за основу взяты работы художника времен Возрождения Д. Арчимбольдо). Соответственно постановка содержит двойную ассоциацию с дальним путешествием: предметы из «далеких стран» и рассказчик - «дедушка путешественник».

«Ожидание». Фотография сделана в музее ретро-автомобилей в Москве. Уравновешенная композиция с тоновым силуэтным ритмом. Смысл работы заключается в том, что у каждого предмета свое время. Композиция выстроена так, чтобы создавалось ощущение вокзала, где пассажиры (вещи) перед табло (часами) ждут своей очереди…

«Осень». Натюрморты на осеннюю тему везде очень разнообразны, богаты и красивы. Если вспомнить живописные натюрморты М. ди Караваджо, то они воплощают в себе все плодородие «осени», торжество Вакха. Поэтому в основу композиции этого натюрморта положены приемы, которые использовал итальянский художник. Предметы поданы контурно, декоративно, композиция выстроена по фигуре «треугольника». Классичный вид работе так же придает наложенная текстура.

«Ромашки» или «Дачный натюрморт». Композиция так же построена в треугольнике, но основной акцент сделан на освещении - светлом, теплом, мягком. Единство тоновых и цветовых отношений (по светлым тонам) обеспечивает работе ощущение безмятежности, незатейливой, простой красоты.

«Смородина». Фризовая линейная композиция очень хорошо подходит для подчеркивания красоты линий у кистей смородины, плавности их переходов. Ритм округлых форм создает ощущение рассыпанных бусин.

«Всё прошло». Тоновая, фризовая, заключенная в треугольник композиция. Взяты засохшие цветы, «увядшие» яблоки, отколотая запыленная тарелка - как символы старости. Линии наклона цветков создают присутствие «диалога» между предметами, разговора, взаимопомощи и поддержки. Акценты расставлены по желто-зеленым оттенкам.

«Морозная осень». Красивый холодный сине-фиолетовый оттенок, который присутствует в предметах, создает атмосферу благородства, ощущение легкого мороза, инея. Оригинальная расцветка яблока напоминает морозные узоры на стекле.

«Все забыто». Фризовая контурная линейная композиция. Засохшие цветы, «увядающие» яблоки, отколотая запыленная тарелка - символы старости. В отличие от натюрморта «Все прошло», диалога нет, поэтому в названии звучит слово «забыто». Акценты расставлены по желто-белым оттенкам.

«Ягодный чай». Динамическая диагональная композиция, линейная, построенная на ритме красного, черного и белого цветов. Цветовые сочетания выбраны по ассоциации с ягодно-цветочным чаем - теплым, с сложно красно-коричневым оттенком. Небольшой акцент в обработке дан на ретро-стиль.

«Ежевика». Ретро-стиль. Благородные темно-малиновые оттенки ягод ежевики и цветка мальвы подчеркнуты за счет контраста с желтым цветом чашки
.

«Симфония». Диагональная композиция, линейная. Цветы и листья расположены в порядке, похожем на записи нот. Цветы в вазе символизируют различные оттенки в музыке (форте, пиано). Драпировка на фоне является поддержкой для линий переднего плана.

Работа построена на единстве тоновых и цветовых отношений. Линейная композиция в сближенной гамме. В натюрморте заложена идея сравнения двух начал - 1. Хрупкость, нежность, легкость, мимолетность, недолговечность (флоксы), 2. Твердость, вечность, постоянство, статичность (ваза из камня) и объединения их: теплота, элегантность, пластика и неповторимость контуров цветов и линий раскраса камня.

«Морская ракушка». Композиция выстроена по фигуре «круг». Цветы выступают символами (аллегориями) морских звезд, а ваза - ракушки. Добавленная текстура придает работе эффект золотящихся и переливающихся на солнце волн.

«Пастушка». Здесь та же ваза выступает уже в роли корзинки. Расположение предметов (цветы, листья и ваза) плоскостное, декоративное, контурное. Работа вызывает ассоциации с французской живописью времен рококо.

«Вечерние тени». В данном натюрморте для построения композиции важную роль играли не только сами предметы (астры и яблоки), но и падающие от них тени, которые выступают (за счет своей четкой читаемой формы) в роли самостоятельных объектов съемки.

«Для нее…» Тоновое решение композиции. Натюрморт выполнен в стиле старых открыток. Цветы (большие белые пионы) в вазе, нитки белого жемчуга, кольца и серьги с жемчугом - все указывает на «женственность» натюрморта. Добавленная дымка и другие текстуры придают работе дополнительную легкость и воздушность.

«Натюржив». Натюрморт дословно переводится как «мертвая натура». Но за прошедшее с момента появления в искусстве этого жанра ситуация стала меняться. Появилось новое название этого жанра именно в фотографии - «Still life» - «тихая жизнь», все больше экспериментов. Идеей этой работы стало «рождение нового натюрморта». Котенок в натюрморте - центр композиции - главная составляющая часть натюрморта. Линейно-тоновая композиция выстроена в треугольнике. Светлый тон в натюрморте, подсвеченные контражуром волоски шерсти котенка, его поза - символы рождения. Фрукты так же подобраны маленького размера для поддержания атмосферы.

«Астры». Классический натюрморт, форма вазы подчеркнута темным фоном. Композиция диагональная, перевес в букете двух астр (сиреневая и белая) на правую сторону создает историю о том, как 2 цветка выглянули из общей массы, чтобы полюбоваться собой в зеркале. А само зеркало, в сочетании с темным фоном, придает работе оттенок театральной обстановки.

Buecher. Классическая композиция, построенная на тоновых отношениях между предметами, выстроена в фигуре «треугольник», где важную роль играет также его центральная ось (на ней находятся смысловые точки: голова девушки у окна работы Вермеера, контрастный белый лист на темном фоне книги, монета). Две параллельно стоящие свечи и идущий от них дым дают динамический выход композиции.

Still life classic with the butterfly. Двусоставная композиция, построенная на объединении групп объектов и заключение их композиционные фигуры - поддерживающая группа (в данном натюрморте - треугольник, полученный группой листьев) находится внутри главной (эллипс, полученный общей постановкой предметов). Композиция «контурная», «линейная». Цветовая поддержка левого нижнего и правого верхнего углов (бабочка и драпировка на заднем плане) является так же (вместе со зрительной линией от носика кувшина) и динамическим выходом на левый верхний угол.

Mamut. Классическая «тональная композиция, выстроенная в фигуре «прямоугольный треугольник». Предметы натюрморта составляют две уравновешенные по отношению к друг другу группы: 1 группа - два кувшина, 2 группа - два слона.

Керамика. «Тоновая» композиция, выстроенная в овале. Динамическими выходами в ней являются зрительные линии от листа клена, двух колосьев и ручки доски. Сближенная цветовая гамм не только объединяет предметы, но и подчеркивает их индивидуальность за счет усиления роли текстурности.

Still life classic. «Контурная», «линейная» композиция, построенная на взаимодействии двух групп предметов, объединенных в геометрические формы: 1 группа - построенный на акцентах по желто-зеленым тонам «полуовал» - главная, 2 группа - «треугольник», построенный на сближенных цветах - дополнительная. Композиция содержит динамические выходы в верхний левый и верхний правый углы: листья цветков, ручка корзины, верхушка свечи, ручка у кувшина.

Teekane. «Тоновая композиция, построенная на контрасте светлых и темных тонов. Основной композиционный центр выстроен по контрастным точкам, дополнительный - по сближенным. Ритм в композиции задают полосы на заднем плане, они же являются уравновешивающими.

Мандарины. Постановка 1. Диагональная композиция, имеющая группу предметов, дополнительно объединенных в геометрическую фигуру «эллипс». Композиция контурная, построенная на сближенных цветовых сочетаниях.

Мандарины. Постановка 2. Двусоставная композиция (треугольник и эллипс), контурная, построенная на сближенных цветовых сочетаниях. Динамические выходы: 1 - зрительные линии вдоль листа и горлышка кувшина на левый верхний угол; 2 - зрительные линии вдоль шкурок мандарина на левый и правый нижние углы.

Живописные натюрморты XIV века рассказывали о быстротечности всего земного и неизбежности смерти. Они были наполнены символами, значение которых сегодня обычный зритель понимает с трудом. А о чем повествует нам современный фотографический натюрморт? Какие темы беспокоят фотографов, работающих в этом жанре? Узнаем об этом на семинаре.

ЧТО ВЫ УЗНАЕТЕ?
-Сохранились ли основные темы натюрмортов со средних веков? О чем сегодня рассказывают работы в этом жанре?
-Что лучше подходит для натюрморта - фрукты, бабочки, цветы или мусор?
-Можно ли составить натюрморт из тысячи объектов?
-Кто делает самые возмутительные натюрморты?
-Можно ли снимать натюрморты под водой и что из этого выходит?
-Правильно ли фотографировать составленные композиции или лучше находить композиции, которые сложились сами собой?
-Можно ли при составлении натюрмортов пользоваться фотошопом или все должно быть «по-честному»?

ДЛЯ КОГО ЭТО?
Семинар рассчитан на широкий круг слушателей и не требует специальных навыков. На занятии будет нескучно любому присутствующему, необходим лишь интерес к современной фотографии.

Информация о видео
Название: Фотография как современное искусство: натюрморт
Андрей Зейгарник
Год выхода: 2017
Жанр: Семинар
Язык: Русский
Выпущено: Россия
Продолжительность: 02:21:54

Файл
Формат: MKV
Видео: AVC, 1440x900, ~997 Kbps
Аудио: AAC, Lossy Kbps, 48.0 KHz
Размер файла: 1.1 Gb